l'Histoire de l'Art : 2016

lundi 22 février 2016

Argent (perso)-----Luz Forero

LA COULEUR DE L’ARGENT

C'est une exposition de Luz Forero.

Luz Forero

Ce travail s’ inscrit dans deux concepts : l’ argent et la répétition. L’ unité est la pièce de monnaie. L’ ensemble des pièces compose le tableau. Le tout est visible par l’accumulation des unités comme dans un organisme dont on pourrait voir à l’oeil nu les atomes. De la même façon que dans un groupe humain, chaque pièce de monnaie “vieillit” à son rythme : l’usure de son vécu. Neuves elles sont presque identiques, brillantes, “pures”. Quand elles circulent, quand elles passent demain en main elles se salissent, se raient, s’ oxydent, s’usent... mais leur valeur reste la même. Elles ne se dénaturent pas.

Dans le “Tout” chaque petite unité est presque anonyme mais s’ il venait à manquer ne serait-ce qu’ une seule, il y aurait un trou. Cet ensemble parait monolithique par la fréquence, par le rythme. Nous agissons en société de la même façon.

WARNING 60x60 cm Acrylique sur toile contrecollée sur bois529 pièces de 20 centimes d’€

Un tableau fait avec des pièces neuves, offre au spectateur son propre reflet : comme un miroir. Conceptuellement nous travaillons pour obtenir de l’ argent. Ce travail est notre vie et donc cette recherche de l’ argent devient notre vie.

Une des caractéristiques de notre société est l’ accumulation :d’argent, de biens, de relations, de savoir... Avec le temps les pièces de monnaie se salissent physiquement et nous pouvons voir littéralement l’argent sale. Ce concept d’ “argent sale” représente la fraude, les dépravations, les corruptions et la violence.

Notre monde globalisé fait que les économies sont en réalité une seule : un désastre en bourse d’ une économie forte déstabilise l’ économie mondiale. Cette interdépendance est la même que les différentes petites pièces de monnaie des tableaux que je propose. Des tableaux faits
avec des euros, dollars, yens, yuans, pesos... sont les mêmes.
En temps qu’artiste avec la richesse d’ être sud-américaine et européenne avec de la famille aux Etats-Unis, je vois et vis ce phénomène de la couleur de l’ argent en “direct”.

« NUNCA MAS » 90 x 90 cm Acrylique sur toile contrecollée sur bois1089 pièces de 5 cts. d’ €

« Nunca mas » est le nom du rapport émis par la Commission Nationale sur les personnes disparues de l’Argentine. Sa mission était de recevoir les plaintes et les rapports sur les disparitions, les enlèvements et la torture qui ont eu lieu pendant la Dictature Militaire, et réunir des informations sur ces personnes.

Ressource: http://www.artcotedazur.fr/actualite,109/art-contemporain,34/la-couleur-de-l-argent-de-
luz-forero,4449?lang=fr
http://www.luzforero.co/fr/component/content/article/20-informations/presse/323-la-
galeria-comunicado-de-prensa-colores-del-dinero
http://www.luzforero.co/fr/informations/20-informations/presse/205-l-art-de-l-argent

Fleur (perso)-----Vincent Van Gogh

Vincent Willem van Gogh (1853-1890) est un peintre et dessinateur néerlandais. Son œuvre pleine de naturalisme, inspirée par l'impressionnisme et le pointillisme, annonce le fauvisme et l'expressionnisme.

Vincent van Gogh

Les tournesols se trouvent plutôt dans le sud de la France. Ils sont réputés suivre chaque jour la course du soleil. Ils sont parfois nommés « soleils ». En réalité, une hormone de croissance du tournesol se concentre dans la partie ombragée de la tige qui devient légèrement plus longue, créant ainsi un déséquilibre de la plante et donnant l’impression que la fleur du tournesol s'incline vers le soleil. Les tournesols ne suivent donc pas le soleil quotidiennement.

En Arles, Van Gogh a loué une petite maison dont la façade est peinte en jaune. Il décore l’intérieur avec une série de tableaux représentant des tournesols, symboles du soleil ardent du Midi.

Les tournesols

Vincent Van Gogh - été 1889

Huile sur toile

Hauteur 95 cm Largeur 73 cm

Van Gogh Museum Amsterdam, Pays-Bas

Le jaune est la couleur fondamentale des toiles arlésiennes de Van Gogh. Dans ses études de tournesols, la couleur se déploie vers les oranges. Van Gogh multiplie les nuances en travaillant également avec des tonalités vertes.

Dans cette série constituée d’infinies variations sur le thème, ces fleurs banales deviennent toutes différentes, roulées en boule ou les pétales ébouriffés. L’artiste veut s’exprimer avant tout au moyen de la couleur. Il n’y a plus de traces ici, de coups de pinceau brefs et interrompus qui appartiennent à l’expérience divisionniste. Le coup de pinceau est continu, fort, agressif. Van Gogh crée le dessin et le volume des fleurs, jaune sur jaune, dans une composition pleine de mouvement.

Il n’y a pas de contrastes de couleurs dans cette toile, mais plutôt une recherche d’harmonie. Cependant, le jaune et l’orange resplendissent grâce aux touches vertes et aux petits traits de bleu ciel dans le cœur. Une fine ligne bleue dessine le volume du vase et la signature.

Le jaune de ce tableau est chatoyant. La forme du tournesol évoque celle du soleil. Les tournesols, l’arrière-plan de la toile ainsi que le vase qui contient les fleurs, sont jaunes. Toutefois quelques autres couleurs sont perceptibles. Les touches de marron, de vert et de noir ne semblent participer à cette composition que pour rehausser le jaune dominant de la toile.

En peignant cette œuvre, Vincent Van Gogh a peu lissé la matière et laisse même percevoir l'épaisseur de la peinture par la superposition de couches. L’œuvre prend du volume, une nouvelle dimension et par le mouvement des couches de peinture reflète un réel dynamisme.

Une nature morte représente des objets inanimés, figés. Or, dans cette œuvre les tournesols sont bien vivants et dynamiques: ils semblent surgir de la toile comme des cheveux ébouriffés. Certains tournesols sont en train de faner, d’autres sont en bouton… à l’image de la vie.

Ressource: http://www.parisblogged.fr/2012/06/les-tournesols-de-vincent-van-gogh.html
https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Tournesols
https://fr.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh

Feu (perso)-----Claire Fontaine

Claire Fontaine est un artiste français, il aime beaucoup utiliser d'un objet du quotidien, manufacturé en série qui devient tout d'un coup objet d'art.

France (burnt/unburnt), 2011

Sur le mur de la salle d'exposition, on aperçoit une carte de la France. De loin on a l'impression qu'elle est représentée par de multiples points rouges, mais lorsque l'on se rapproche de celle-ci, on voit que cette carte est composée uniquement d'allumettes en bois à bout rouge.

Cette oeuvre utilise ici le principe du "Ready-Made". Claire Fontaine se sert de l'allumette, un objet fabriqué en série et compose avec cela uniquement son oeuvre d'art. Des milliers d'allumettes forment la carte de la France. Mais cette oeuvre est également une performance, puisque l'artiste met le feu à certaines allumettes, ainsi le feu se propage d'allumettes en allumettes, le feu envahit alors le pays. La France est "en feu", se noircie tout comme le mur et le plafond. Les allumettes elles s'éteignent petit à petit, la France n'est alors que ruine, en cendre tel un pays ravagé par une guerre. Claire Fontaine nous montre la France et ses défaillances, car malgré que ce soit un pays occidental et une puissance mondiale il est lui aussi en crise. A la fin de la performance on peut voir que la fumée a envahit la pièce, on voit de moins en moins bien, tout comme le futur de ce pays que l'on a de plus en plus de mal à distinguer.

France (unburnt), 2011

France (burnt), 2011

Claire Fontaine a utilisé le même principe sur d'autres pays comme les Etats-Unis, l'Italie, le Portugal, la Grèce, l'Espagne.

Ressource: http://www.t293.it/artists/claire-fontaine/
http://www.clairefontaine.com
https://www.youtube.com/watch?v=P842ocBbpIQ

Street art (perso)-----Nele Azevedo

Nous sommes tous des mortels

Nous sommes tous des mortels

Nele Azevedo est un artiste et sculpteur Brésilien , célèbre pour ces hommes de glace.

En 2013, Nele Azevedo signe une installation à l’occasion des 100 ans du début la première guerre mondiale. Ces 5.000 sculptures en glace étaient installées à Birmingham sur les marches de Chamberlain Square. Pour la petite histoire, l’un des premiers à placer une sculpture sur ces marches était monsieur Pam Brooking dont le grand-père John Osborne Walford a combattu dans un régiment anglais. 20 bénévoles ont aidé l’artiste à sculpter les 5000 pièces et 18 congélateurs furent nécessaires pour les conserver.

Les pertes humaines de la Première Guerre mondiale s’élèvent à environ 18,6 millions de morts. Ce nombre inclut 9,7 millions de morts pour les militaires et 8,9 millions pour les civils. Les Alliés de la Première Guerre mondiale comme les Empires centraux perdent plus de 9 millions de vies.

Pendant l'exposition, chaque personne de glace représente une victime du Titanic, l’installation dans son ensemble est un hommage à cette catastrophe. Cette oeuvre d’art est une expression puissante de la temporalité de la vie et de l’inéluctable mort qui nous attend.

Ressource: http://golem13.fr/minimum-monument-nele-azevedo/
https://quefaire.paris.fr/fiche/118556_nele_azevedo
http://golem13.fr/minimum-monument-nele-azevedo/

Clown (perso)-----Antoine Watteau

Pierrot est un tableau attribué à Antoine Watteau, qui aurait été peint en 1718-1719 et est exposé aujourd'hui au Louvre. Il a longtemps été appelé Gilles. Œuvre majeure du peintre, on ignore tout des circonstances et des conditions de la réalisation de ce tableau au format monumental.

Le Pierrot est un des plus célèbres personnages de la comédie italienne. Le thème de ce tableau pourrait venir de l’expérience de Watteau en tant qu'élève de Claude Gillot, qui peignait entre autres de nombreux décors de théâtre. L'explication actuelle est que le grand format du tableau et son tableau auraient pour origine une commande destinée à être l'enseigne du café de l'ancien acteur Belloni.

Pierrot

Ce tableau est grand, de la taille d'un homme. Au premier rang, qui occupe presque toute la hauteur de la toile, un jeune homme, les bras ballants, les mains mains pendent, vacantes, le regard timide, dans le vide, vers la gauche et vers le bas. Le teint est rosi, aux joues, au nez. Les lèvres sont bien découpées, celle du haut surtout qui fait des vagues. Le menton révèle une petite pointe mais la rondeur domine, le cou suggère un léger embonpoint. Les sourcils sont noirs, bien marqués, allongés.

Ce visage montre une dissymétrie. Peut-être est-elle induite par le rayon de lumière? Il vient du haut à gauche. Pierrot porte une coiffe, double en quelque sorte: d'abord un ruban lui enceint le front, d'une oreille à l'autre. Aucun cheveu ne dépasse, aucune boucle, le front est lisse et brille. Ensuite le rebord rond et assez large de la coiffe proprement dite, elle lui dessine une auréole. La collerette est large, légère, recouvre la moitié des épaules et bouffe sur la poitrine. Lorsqu'il a esquissé son personnage sur la toile, Watteau a tracé les contours d'un grand oeuf où il a placé tout cela coiffe, tête et collerette. Cela pourrait donner un médaillon.

Pierrot porte un costume aux pièces assorties. Une veste, seize boutons pour tenir les pans, deux aux poches, probablement deux autres mais ils sont cachés par les poignets. Les avant-bras, les manches les tiennent, elles ont cependant tendance à tomber et ne sont retenues que parce que les mains sont plus larges que leur échancrure. Au-dessus, elles s'évasent, boursouflent en plis épais et serrés. La veste s'écarte à partir des hanches, comme si elles étaient trop larges. Le pantalon, lui, blanc toujours, est court, laisse voir les mollets recouverts de bas gris. Les chaussons, blancs enfin, sont tenus par des rubans roses.

Pierrot n'est pas posé exactement au milieu du tableau, décalé légèrement à gauche. Il en remplit toute la hauteur, mais il y a plus d'espace entre la crête de sa coiffe et le bord supérieur du tableau qu'entre son pied gauche et le bord inférieur. Il est à tel point près de ce bord qu'il lui suffirait de faire un pas pour sortir du cadre - et entrer dans le monde d'ici. Il est donc insuffisant de dire qu'il compose le premier plan du tableau. Il est tellement au premier plan qu'il y aurait comme deux tableaux, celui où figure le Pierrot, et le reste de la scène qui serait un monde à lui étranger. Mais ce n'est pas si simple.

Au second plan, en contrebas de là où se trouve Pierrot - en contrebas puisqu'on ne voit que les haut des corps - , trois personnes, deux hommes de part et d'autre d'une femme, du bon peuple, le premier en habit rouge vif, y compris la coiffe fichée de guingois, elle n'a que son chignon et un départ de gorge, grassouillette, la coiffe pâle du troisième est découpée à la façon d'une crête de coq. Ils tirent sur la longe pour faire avancer un âne sur lequel est juché un quatrième personnage, à chapeau noir, collerette bouffante, habit noir, tout du carabin. De l'équipe de droite, par rapport à Pierrot qui, malgré son immobilité et son regard absent prend toute la place, l'homme en rouge et la femme en chair regardent vers l'âne. Le troisième regarde le carabin, la bouche ouverte les yeux écarquillés, est-il ébahi ou bien craintif? Le carabin serait le maître? À y regarder de plus près, les traits du visage révèle un dessin fait d'après modèle - comme d'ailleurs le Pierrot. Alors que les visages des trois autres sont stylisés, telles ces figures que l'on retrouvent reproduites de tableaux en tableaux, chez Sueur par exemple, dans la salle traversée sur le chemin de celle-ci. Mais, du carabin, le trait le plus particulier est qu'il regarde le spectateur. Il est même penché dans sa direction. Et il lui sourit avec malice. Il établit une connivence avec le présent, il sort du tableau, lui encore, par une autre voie.

Ressource: http://chroniquedupieton.blogs.com/chronique_du_pieton/2011/01/275.html
https://fr.wikipedia.org/wiki/Pierrot_(Watteau)
http://www.louvre.fr/oeuvre-notices/pierrot-dit-autrefois-gilles

Roche (perso)-----Maude Maris

Maude Maris est une artiste française.

Maude Maris

La pratique développée par Maude Maris est singulière : de petits objets chinés sur les marchés aux puces ou trouvés dans la rue sont moulés en plâtre, ce qui permet à l’artiste de manipuler l’objet, de laisser place à l’inattendu et aux petits «accidents», tout en préservant leur matière. Figurines d’enfants, ustensiles de cuisine, statuettes de la Sainte Vierge ou tête de chien, tout peut offrir une forme intéressante à travers la transformation de l’objet.

Plus récemment Maude Maris a commencé à mouler des éléments naturels qu’elle puise dans son environnement quotidien. En complément, il lui arrive d’utiliser directement des pierres ou des fossiles, sans les mouler. Tous ces objets entrent en jeu dans ses peintures, qu’ils soient artificiels ou naturels, moulés ou laissés comme tels.

Inventaire, 130°¡195 cm, huile sur toile, 2013

Chaque oeuvre est le résultat d’un processus élaboré : réunir les objets, les mouler, créer une composition, la photographier et finalement peindre à partir de la photographie. Chaque étape ajoute un nouveau degré de distance, lisse les objets et crée un détachement que renforce la technique picturale. Le coup de pinceau est discret, les objets représentés dans des couleurs artificielles aux tonalités pastels. La palette évolue cependant, avec une récente apparition de noirs et de gris. L’utilisation à ses débuts de logiciels 3D reste aujourd’hui perceptible dans le travail de l’artiste, empreint d’une artificialité et d’une esthétique lisse et minimale. Maude Maris suggère la profondeur et fixe l’objet dans l’espace indéfini en reprenant l’ombre caractéristique des logiciels informatiques.

Maude Maris, Vestales, 2015

Huile sur toile, 150 x 250 cm

© Nicolas Brasseur

Maude Maris, Rudiments, 2015

Huile sur toile, 160 x 130 cm

© Nicolas Brasseur

La sculpture est indéniablement présente dans le travail de Maude Maris. Non seulement dans sa méthode de travail (le moulage des objets), mais également dans le sujet qu’elle traite : l’objet, entre position sculpturale et fonction utilitaire.

Maude Maris mêle ainsi dans ses dernières oeuvres des influences issues de l’Antiquité, de la Préhistoire, mais aussi du fantastique. Les pierres, cailloux, branches, fossiles et autres formes qui composent le vocabulaire de Maude Maris sont empilés, accumulés et arrangés de manière simple et précise. Ces compositions évoquent à la fois Stonehenge, le temple grec, la pyramide, la hutte primitive, le foyer ; elles révèlent leur agencement commun par le geste primitif et universel de l’empilement.

Ressource: http://maudemaris.com/fr/votive-vog-fontaine/

http://slash-paris.com/en/artistes/maude-maris/a-propos

http://galerie-gounod.com/fr/expositions/presentation/166/foyer

Série des Cathédrales de Rouen (perso)-----Claude Monet

Série des Cathédrales de Rouen

Claude Monet (1840-1926) est un peintre français, l’un des fondateurs de l'impressionnisme, peintre de paysages et de portraits.

L’impressionnisme est un mouvement apparu à la fin du XIX° siècle, il regroupe plusieurs peintres dont Auguste Renoir, Edouard Manet, Alfred Sisley, Camille Pissaro ou Claude Monet. Ce qui intéressait les impressionnistes, ce n’était pas essentiellement le sujet qui était peint, mais plutôt de traduire l’ambiance générale d’un lieu à un moment donné. Le paysage impressionniste est réalisé avec de petites touches colorées, ainsi, les contours ne sont pas nets et les couleurs sont très peu mélangées.

Cathédrales de Rouen

Cathédrale de Rouen, 1892-1894

série de 30 tableaux

Huile sur toile,

100 cm. x 65 cm

Courant artistique : L’impressionnisme

La Série des Cathédrales de Rouen désigne 30 tableaux peints par Claude Monet représentant des vues différentes de la cathédrale Notre-Dame de Rouen, et très majoritairement de son portail, réalisées de 1892 à 1894.. Monet a réalisé ces toiles depuis la fenêtre d’une boutique en face de la cathédrale. Il était tellement près qu’il ne pouvait voir l’édifice dans son ensemble. Pour chacun des 30 tableaux, il a représenté la cathédrale à un moment différent de la journée : au petit matin, à midi, le soir, mais aussi au crépuscule ou par temps de brouillard. Ce qui l’intéressait, ce n’était pas de représenter la cathédrale pour elle-même, mais pour mettre en avant les variations de la lumière sur sa façade. Pour chaque tableau, il devait se dépêcher de peindre, car la lumière du soleil change vite. C’est pourquoi, il ne s’attardait pas sur les détails : il posait la peinture sur sa toile par petits paquets colorés (la touche), ce qui donnait à l’ensemble sa vibration. Ce qui l’intéressait, c’était l’atmosphère qui se dégageait du tableau.

Ressource: https://fr.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet

http://www.impressionniste.net/monet.htm

http://www.rouentourisme.com/monet-et-ses-cathedrales/

l'Art dans le peau (perso)-----Liu Bolin

Liu Bolin (劉勃麟) est un artiste chinois.Il est un artiste contestataire connu internationalement pour ses photos de lui-même dissimulé dans ses paysages, il expose dans les musées à travers le monde. Ses œuvres les plus populaires sont Hiding in the city (se cacher dans la ville).

Liu Bolin

En réponse à l'évolution constante de la société chinoise, croissance rapide et développement, Liu Bolin s'inspire des médias et créé des représentations de l'identité moderne et éphémère de la Chine : il crée sa série "China Report 2007" (Rapport de la Chine 2007).

Rapport de la Chine 2007

Il sélectionne des photographies de journaux officiels qui couvrent des histoires de catastrophes environnementales, la construction d'infrastructures, la démolition et l'instabilité sociale et de transition. Dans son travail, Liu a toujours accordé une attention particulière aux divers problèmes sociaux qui accompagnent le développement économique rapide de la Chine, faisant de la politique sociale le cœur de ses commentaires picturaux.

Hiding, 2010

Liu Bolin créé sa série Hiding à New York série dans laquelle il incorpore les emblèmes de New York. Liu décide d'utiliser son art comme un moyen de protestation silencieuse pour attirer l'attention sur le manque de protection des artistes chinois de la part de leur gouvernement. En utilisant son corps dans la pratique de la peinture sur lui-même dans différentes situations à Beijing, Liu créé un espace pour les artistes chinois, préservant leur statut social et soulignant leur relation souvent perturbée par leur environnement physique.

Ressource: https://fr.wikipedia.org/wiki/Liu_Bolin
http://www.galerie-photo.com/liu-bolin-art-camouflage.html
http://www.galerieparisbeijing.com/fr/artists/liubolin/

samedi 20 février 2016

Argent-----Salvador Dalí

Apothéose du dollar

Salvador Dali

Salvador Dali est sans doute le peintre le plus énigmatique de l’histoire de l’Art. Sa personnalité extravagante, son immense parcours planétaire et son délirant surréalisme fantastique ont intrigué le monde de l’Art. Pendant des décennies, des scientifiques, des critiques et des psychologues se sont penchés sur les étranges créations du génial artiste catalan dans le but de comprendre le sens profond de sa peinture.

Titre: Apothéose du dollar

Date: 1965

Dimensions: 300 x 400 cm

Technique: Huile sur toile

Emplacement: Théâtre-Musée Dalí

Cette toile a été qualifiée de réponse à l’anagramme d’André Breton « Salvador Dali – Avida dollars ».

Dans cette toile, comme dans son Théâtre-Musée, Dalí exprime toutes les tendances, les mythes et les obsessions qui l’ont accompagné tout au long de sa vie.

Duchamp à gauche habillé en Louis XIV avec le joueur de luth de Watteau sur la tête. José Nieto, le « logeur » de Las Meninas, qui apparaît jusqu’à trois fois. À côté de Duchamp-Louis XIV, le profil d’Hermès de Praxitèle, avec sur l’ombre de son nez, la figure de Goethe et sur la commissure des lèvres, le portrait de Vermeer de Delft. À droite, Dalí fait son autoportrait, comme Vélasquez, en train de peindre Gala ; à côté de celle-ci apparaît la double image du visage de Béatrice de Dante, qui est en même temps un Dom Quichotte agenouillé. Au-dessus, on peut contempler les armées vaincues de Napoléon, alors que dans la partie supérieure gauche, on distingue les soldats de la bataille de Tétouan en plein effort.

Depuis le 11 septembre 2001, les redoutables prémonitions de Salvador Dali ont pris une tournure apocalyptique. Il avait pressenti le désastre. Le fameux tableau «L’Apothéose du Dollar» de 1965.

Des faits historiques majeurs apportent aujourd’hui la démonstration flagrante du stupéfiant génie prophétique de Salvador Dali. Le décryptage patient et méthodique de son mystérieux œuvre surréaliste m’a permis de prouver que le visionnaire de Figueres a peint le scénario du futur.

Cette toile est considérée comme une œuvre clef de l’artiste qui conclut une période de travail de 1941 à 1970.

Ressource: https://fr.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
http://www.salvador-dali.org/dali/fr_bio-dali/
https://fr.wikipedia.org/wiki/Discussion:Salvador_Dal%C3%AD_peignant_Gala_dans_l%
27Apothéose_du_dollar

Fleur-----Miguel Chevalier

Les fleurs ne se fanent jamais

Miguel Chevalier (né le 22 avril 1959 au Mexique) est un artiste français de l'art numérique et virtuel.

Depuis 1978, Miguel Chevalier utilise l’informatique comme moyen d’expression dans le champ des arts plastiques. Il s’est imposé internationalement comme l’un des pionniers de l’art virtuel et du numérique.

Miguel Chevalier développe différentes thématiques, telles que la relation entre nature et artifice, l’observation des flux et des réseaux qui organisent nos sociétés contemporaines, l'imaginaire de l'architecture et des villes virtuelles. Les images qu'ils nous livrent interrogent perpétuellement notre relation au monde.

Vidéo de "Fractal Flowers", 2009

Fractal Flowers 2009

Installation de réalité virtuelle générative et interactive

Station de métro Galeria, Brasilia, Brésil

Eléments techniques : 2 vidéo projecteurs, 1 PC, 1 caméra infrarouge

Dimensions : Dimensions : 14 m x 3,20 m

"Fractal Flowers" est une installation qui est installée au Brésil 2009. Elle présente une nouvelle génération de fleurs et de jardins virtuels. Elle comme point de départ l’observation du monde végétal et sa transposition dans l’univers numérique. Le processus de croissance des graines, qui s'épanouissent puis meurent, est régi par un programme informatique qui leur permettent de se renouveler en permanence.

Pendant la visite, les gens sont comme dans un univers végétal très intriguant, peuplé de fleurs-cristal à la structure filaire, rappelant les facettes d'un diamant, qui ont à la fois une réelle monumentalité par leurs formes géométriques et en même temps un aspect évanescent lorsque, en quelques secondes, elles s'évaporent dans l'air. Le gigantisme de ces fleurs, leur capacité à suivre du regard le visiteur quand il se déplace, crée un étrange et mystérieux, voire troublant dialogue avec lui. Les fleurs se courbent comme pour faire une révérence et l’accueillir dans la virtualité de cet intriguant jardin. Elles déploient alors leurs plus belles couleurs, leurs plus incroyables formes, s'observent entre elles, se confondent sur les fonds colorés, se penchent vers lui comme pour regarder de plus près sa réalité, pour enfin disparaître sous son regard fasciné et ému de ce rapport si vivant avec un objet virtuel qu'il ne reverra jamais.

Fractal Flowers 2009

Il s’agit de fleurs géantes fractales de différentes couleurs et formes, générées à l’infini grâce à un logiciel inédit. Cette oeuvre s'appuie sur un principe génératif et interactif créant des graines virtuelles autonomes, qui naissent aléatoirement, grandissent, s’épanouissent et meurent, tout en réagissant au passage des visiteurs.

Ressource: https://www.youtube.com/watch?v=AE7VbTG8IsI
http://www.miguel-chevalier.com/fr/fractal-flowers
https://fr.wikipedia.org/wiki/Miguel_Chevalier

Feu-----Bill Viola

Fire Woman

Bill Viola est un artist american. Il étudie les arts plastiques à l'université de Syracuse de New York.

Il entre en contact avec la vidéo dans l'université, il commence à mettre en place des installations vidéo en utilisant des moniteurs, puis des projections de ses vidéos sur de grandes surfaces dès 1973. Il est influencé par le performance art.

Bill Viola

Viola cherche toujours, dans une démarche intimiste, il créé des oeuvres intimistes dans lesquelles il représente sa famille et lui-même. La vie, la mort, le sommeil, le rêve, l'eau, le feu, le désert…sont des thèmes qu'il aime traiter avec émotion et spiritualité.

Vidéo de "Fire woman"

Fire Woman. 2015

En 2005, il réalise Fire Woman, une projection vidéo de très haute définition en couleur. On y aperçoit

une silhouette de femme se détache d'un immense mur de flammes en arrière-plan. Elle avance jusqu'à plonger soudainement dans une eau dont on ne soupçonnait pas la présence. Le regard du spectateur se retrouve alors face aux seules formes ondoyantes et abstraites du feu, puis à leur reflet dans l'eau, aux qualités picturales indéniables.

Le regard évolue, déplace son attention, glisse comme souvent d'une esquisse narrative aux formes pures. Selon le catalogue, Fire Woman est une image qui apparaît dans « l'œil intérieur d'un homme sur le point de mourir ». Le regard devient un exercice spirituel.

L'eau, le feu, les bruits de la nature, le paysage : chez Viola, les éléments et les environnements sensoriels participent à l'immersion dans les images.

Ressource: https://www.youtube.com/watch?v=y0SlwUozc9o
http://www.billviola.com

https://fr.wikipedia.org/wiki/Bill_Viola

Street art-----Luzinterruptus

Les rues envahies les livres

Luzinterruptus est un collectif madrilène à l'origine d'installations éphémères qui fleurissent dans le monde entier depuis 2008. Son terrain de jeu est la ville. Son moyen d'action est la lumière. Son but est de transmettre des messages idéologiques, pousser un "coup de gueule" contre le gouvernement espagnol, ou tout simplement embellir la rue et souffler un vent de poésie sur ses habitants...

« Nos actions artistiques sont parfois à la limite de la légalité », explique par Luzinterruptus. « Elles sont polémiques, mais jamais destructives. On ne casse rien, mais comme on intervient la nuit, qu’on joue sur une certaine esthétique de la lumière, elles ont souvent un certain écho sans qu’on ait véritablement de problèmes avec la justice. »

Les rues envahies les livres

C'est une gamme des installations qui s'appelle "Les rues envahies les livres". Luzinterruptus a fait deux installations dans deux different pays.

Le premier installation s’est passé à New York.

800 livres ont été déposé sur le goudron enneigé de Water Street, juste devant le pont de Brooklyn. Le message est symbolique que la littérature contre les voitures, le poids des mots contre celui de la technologie.

Les rues envahies les livres

Grâce à des petites lumières incrustées dans les pages, le collectif Luzinterruptus a réussi à transformer une rue sombre et froide en un tapis scintillant débordant d'imaginaire et de savoir.

De nos jours où les livres sont tristement abandonnés pour des liseuses numériques, cela fait chaud au cœur de voir des milliers de feuilles de papier gagner une bataille contre la technologisation...

L'installation menée à Melbourne fut encore plus spectaculaire. C'est un total de 10 000 ouvrages, considérés comme obsolètes par les libraires et récupérés bénévolement par l'Armée du Salut, qui furent cette fois-ci dispersés à différents endroits de la ville, créant une véritable rivière de livres qui illumina la ville pendant un mois. Le dernier soir, les passants furent invités à emporter avec eux tous ceux de leur choix. De nombreux automobilistes passant par là furent également stupéfaits de baisser leur fenêtre et de recevoir en cadeau un de ces livres mystérieux...

Ressource: http://www.spanky-few.com/2012/10/04/luzinterruptus-les-rues-de-melbourne-envahies-
par-les-livres/
http://www.hellocoton.fr/luzinterruptus-les-rues-de-melbourne-envahies-par-les-livres-
6317911